数字绘画是非常棘手的。 你有适当的软件，然后，你就可以开始画画了。 每个工具，即使是最强大的一个，你触手可及。 所有的颜色都是可以及时使用的，不需要额外的混合。 如果你只是从传统绘画转换为 Photoshop，它不是那么难;你只需要找到你最喜欢的工具就可以了。 但如果你同时是一个传统绘画和数码绘画的初学者，这将是一个头疼的事，那么学习这个并不像你想象的那么简单！
Photoshop的优点是它的易用性：这里是一组画笔，这里是所有的颜色，这里是橡皮擦，这是返回上一步的命令。 你开始绘制的时候觉得不好，但你可以用其他的工具让它看起好一些。 看看PS里面有多少工具呢！ 你可以每一个试试，然后就是见证奇迹的时候了。
但是，“奇迹”并不是让 Photoshop 为你绘制。 你没有任何控制权，比起一个初学者，会好多了（至少，这是你所相信的）。 所以顺其自然，绘制很多的图片，希望它们其中一部分会成为杰作。
专业的数码绘制人员将他们的图片变成栩栩如生的，但是他们不是将这个作为一个生产工具，而是一个助手。 有什么区别呢？
- 专业人员会考虑成果，然后用软件实现它。
- 初学者让程序做某事，如果他们满意，他们会保持这个效果。
你是不是觉得第二个方案很熟悉？ 如果是，请继续阅读。 在本文中，我将向你展示如何改进工作流程的十个不同方面，以便你成为一个Photoshop的艺术家。 有这十个小技巧，你将更深入的了解阻挡你进步的方方面面。
注意：这些我所描述的问题适用于艺术家在追求现实主义风格时无意中达到的效果。 这些是一些可以预见的错误，如果你开始的时候做好准备！
1画布大小设置错误
重设画布是一个儿童所为。 你需要选文件>新建 ，如果你是这方面的高手，直接按快捷键 Control+N. 看起来很简单，但你往往会忽视其中的细节。
这个问题有三个方面。
1.画布太小
就像所有的物体都是由原子组成的，所有的数字绘图都是由像素组成的。 这是你知道的。 但是到底多少像素是你需要创建一幅细节的数码绘图所需要的？200×200? 400×1000? 亦或是9999×9999? 200×200? 400×1000? 9999×9999?
一个常见的初学者的错误就是用和你电脑屏幕一样大小。 但是你永远不知道你的终端客户会使用多少像素！
假定你的屏幕显示图像就像我们的范例1一样。 这个高度你不需要用滑动来检视，对你来说这个是适合的。 1024X600是你可以得到的最高的分辨率。 如果终端用户使用分辨率1280×720 (2)或是1366×768 (3)都不会有什么问题。 但是如果你的终端用户使用更高的分辨率，例1920×1080 (4) 和1920×1200 (5)。 逐渐地，画面在屏幕上的空间越来越少。对于这些用户，你并没有真正使用所有的高度! 逐渐地，画面在屏幕上的空间越来越少。对于这些用户，你并没有真正使用所有的高度!
但这不仅仅是围绕在你周围的“空白地方”的问题。 “高分辨率”并不总是意味着“大屏幕”。 你的智能手机的屏幕可能比你电脑上的屏幕拥有更多的像素。看看:
- 大小相同, 分辨率不同
- 大小不同, 分辨率相同
这是什么意思？ 除你以外的终端客户，也许你填充的整个屏幕的图片，对他们来说是显示是这样的：
但是你选择的图片并不仅仅是这个。 更大的分辨率意味着更多的像素。 在一个小的分辨率图片下，绘制的眼睛可能只需要20像素，而一个更大的分辨率可能就需要20,000个像素了！ 想象一下这两者在绘制细节上的区别。
这里是一个好的技巧：如果你在一个大的分辨率下来绘制一个小的物件,不管它有多松散，从远处(即放大)来看，它很有可能看起来更有趣和有意思。 试一下吧！
2.过大的画布
那是不是说画布的分辨率越大越好呢？ 理论上来讲，是的。 实际上，并不是必须的，而且有时候是不必要的。
一个大分辨率的画布需要的基础笔刷的像素更大 一个更大像素的笔刷，需要你电脑的运行空间更大。 尤其是在笔压水平和可变流量的情况下。 因此，这是一个反对它的实际论据—你需要一个强大的计算机来实现你的大分辨率。
第二点是高分辨率是为高细节的作品而设定的。 与初学者的意见相反，不是所有的画作都需要高细节表现的。 就算
，你还是可以忽略真实影像中的不少信息－我们真实中所看到的从来就不像一幅摄影作品。
当你使用比你所需作品更高分辨率的设置，因为你可以添加更多的细节。 但当你这么做的时候是没有回头路可以走的。 细节有很多层次，但特定的部位只能使用一个。 如果你想创造出一种快速的、有绘画风格的毛皮，不要在眼睛上花上几个小时的时间—它只会让整个作品看起来不一协调和有未完成的感觉。
3.最终尺寸太大
现在我们假设你找到了你绘制作品合适的分辨率。 它不是很大也不是很小—正好适合你需要填充的细节。 这里又会有一个常犯的错误存在。 分辨率代表你的作品大小。 也许你需要很多像素来达到这个眼睛的细节，但是这个细节是可以从远处看到的。
在你存储你的文档之前，调整它的尺寸。 我不会告诉你最佳的分辨率，因为根本没有最佳分辨率存在。 规则是：作品细节越多，当用大分辨率呈现的时候损失率就越小。 这幅画越“粗略”，它在小版本中呈现的效果就越好。如果你想了解更多，看看你最喜欢的艺术家在网上发布他们的作品时使用什么分辨率就好了。 这幅画越“粗略”，它在小版本中呈现的效果就越好。 如果你想了解更多，看看你最喜欢的艺术家在网上发布他们的作品时使用什么分辨率就好了。
最后一点：当你重新设置你的图片的时候，检查哪个重组图像算法最适合你。 它们有些会增强图像，但这可能是也可能不需要的。
2.由白色背景开始
这似乎是微不足道的，白色背景有什么问题呢？ 它是中性的，对吗？ 这很正常把，因为它是中性的。它看起来像一张纸。
问题是没有“中性”的的颜色。 “透明色”是最接近的中性色。但是我们又不可能来绘制透明色。 颜色始终是颜色。 当两者相遇，颜色会产生关系。 例如白色+颜色A，颜色A就是深色。 不管你的初衷是什么，你用的颜色就是深色，因为你的白色背景。所有的颜色对白色而言都是深色。 对比看来，所有的物体看起来都是深色的。
在传统绘画中我们常常使用白色背景，因为技术来说将深色的东西绘制在亮色背景上更加容易。 但数字艺术没有理由! 事实上, 你甚至可以从一个黑色的背景开始, 相对于纯白色，它只是一个不好的想法。 在现实中, 最 “中性” 的颜色就是是50%亮灰色 (#808080)。
为什么？ 背景的颜色改变了你感知其他颜色的方式。 在白色背景下, 暗色调会显得过于黑暗, 所以你最好避开它们。 在黑色背景下, 它同样适用于白色基调。 你会发现, 一旦你试图添加一些其他背景，在这两种情况下的结果将是对比变弱。 下面就是证明:
有经验的艺术家能够使用任何颜色来开始他们的绘制, 并充分利用它, 但除非你对色彩理论有信心, 否则最好从中性颜色背景开始–既不太暗, 也不太亮。
3.避免高对比度
当然你对明暗的观察往往取决于你屏幕的质量。 如果你使用一个台式电脑，你就会发现明暗在不同角度的变化。 你如何获取一个合适的对比度来适应所有人的屏幕？
就算你的屏幕不错，但是长时间盯着屏幕也会有所影响你的明暗观察。 如果你一步步更改阴影部位，对比度可能只是比5步前要好。下面的物件可能更好： 下面的物件可能更好：
….直到你把它和一个对比度较强的物体进行比较。 谁知道呢，也许如果你把另一个和另一个比较，它的对比度会自动下降?
Photoshop有一个工具专门来解决这个问题。 它叫色调，它通常是一个柱状图-它展示一般你有多少阴影部位。 你也可以打开视窗> 调整> 色调（Image > Adjustments > Levels）将它展示出来，也可以使用快捷键Control+L。
这个怎么运作呢？ 你可以看下下面四个例子：
- 基本白色，黑色和中间色调是平衡的
- 只有黑色和暗的中间色调
- 只有白色和偏亮的中间色调
- 只有白色和黑色，没有中间色调
你可以从直方图里面读出来吗？
你可以通过拖动滑块来修改级别。 虽然它减少了一般的阴影量，但它有助于将它们放置在直方图中的正确位置。
直方图显示我们的物体中有很多中间色调，但是也缺乏明显的暗区和亮区。 不管我们看到的是什么，这是电脑显示的结果！ 尽管没有一个完美色调的标准定义（一切都取决于你的场景），但是缺失暗区和亮区是一个明显的失误。
让我们将滑块滑向中间一点来看看它的变化吧！
是否有一种方法可以从一开始就使用合适的阴影，这样我们上面的步骤就不必要了? 是的，而且它花费你更少的时间！ 解决方法是使用更少的阴影，一点深色的，一点明亮的，一点中间色调，还有一点黑色和白色。
当你开始绘制的时候，你需要练习，你可以在一个球体上规划你的光线。
- 添加暗的阴影（不推荐使用黑色）
- 添加中间色调
- 添加最明亮的阴影(不推荐使用白色)。
- 在两者之前添加一到两个中间色调。
- 添加一点点黑色和白色。
你看到这些零件在直方图上的位置吗？ 当我们合并它们时，就会出现这种情况。 使用这个球体作为你绘制的对象的一组色板，以相同的方式进行绘制 – 最暗的阴影，中间色调，最亮的点，更多的中间色调，最黑暗的缝隙和最亮的亮点。 然后你可以混合它们！
最后一点。 如果你再次对比这两个头像，一个是从一开始就正确的对比度，然后是一个正确的对比度，你会发现两者的区别。 这就是为什么你不能增加对比度，当你不能从一开始就考虑到你的数值—所有的物体都有它们对应的阴影。 例如相比
。 也就是说你需要尽可能多的准备你场景需要的球体。 记住：浅色物体上应用深色阴影或是深色物体上用浅色阴影，这两者都是错误的。
记住：浅色物体上应用深色阴影或是深色物体上用浅色阴影，这两者都是错误的。
4.使用太复杂的画笔和太大的笔画
当你将传统的画笔与Photoshop进行比较时，区别是很大的，你可能想知道为什么它们用相同的名称。 毕竟，传统的画笔可以让你画出更多或更少的杂乱笔触，而数字笔画自己创作艺术作品。
这就是关键。 如果他们自己创造任何东西，你就放弃控制权。 专业艺术家大多数时候都使用简单的笔触，不时地用更复杂的技巧来支持自己。 每天使用复杂的笔刷不仅使你懒惰 – 它也阻止你学习如何实现自己的效果，因为没有必要！
当你开始进行数字绘画的时候, 你会搜索各种方法, 以尽快有所进展。 你希望尽快有结果。 自定义笔刷就是这个捷径。 你希望绘制皮毛-这里是皮毛笔刷；你希望大笔刷，这里是大笔刷。 如果你不能绘制什么东西-你就下载一个工具来帮助你。
自定义笔刷不是一件坏事—它们很有用的。 但当你将它们用作 “技能” 的基础时, 就会出现此问题。 如果你真的理解如何可以将皮毛绘制的快一点,你就会知道你不需要想绘制头发一样一根根绘制皮毛。 你需要了解我们脑中想象的东西未必和现实完全一致。 你需要学习如何观察来创造你所看到的，而不是你想象中你所看到的。
最终，你选择放弃一根根绘制毛发，然后选择一个适合的笔刷来代替你做这种事情。 你找到了，你很开心，你可以继续下了。 这个是如此容易，你会上瘾，然后你完全停止学习-如果可能的话，你选择下载所有的技巧。
但是，传统的艺术家如何克服这些呢？ 他们并没有这么多笔刷可供选择。 他们如何绘制毛发？ 答案是显而易见的—如果自定义笔刷不存在，你会用同样的方法。 如果你想提高, 如果你想击败这个初学者的诅咒, 你需要暂时远离这些复杂的笔刷。 坚持一个简单的笔刷设置, 例如
, 并学习如何将它最大化的使用 当遇到困难的时候，不要寻找捷径。 努力克服它，你将得到宝贵的经验而不是一些廉价的小伎俩。
笔刷太大了
另一个尝犯的错误就是使用太大的笔刷。 再次，你的耐心很重要。 规则是80% 的工作花费了20% 的时间, 这意味着你需要花80% 的工作时间来完成你的作品。 如果你在两小时内绘制草图，底稿，基本颜色，简单的阴影，那么还剩下8小时来完成所有的东西。 此外, 在这八小时内, 你会看到比前两个小时更少的进展! 是不是很失望？
你可以清楚地看到艺术家展示给公众的绘制过程, 就像
。 第一步是巨大的—从无到有。 然后过程开始慢慢减速。 你几乎看不出最后几个步骤之间有什么区别, 但这种微妙的差别可能比以前所有的步骤都需要花的时间多!
这就是问题所在。 当你的绘制快要完成的时候, 你会明显感觉到它已经完成了。 但是这恰恰是你需要开始的时候！ 我记得在其中一个绘画过程中读到一个评论: “我会在步骤4中停止” [在第10步内]。 那就是初学者和专业人士的区别! 因为该规则的另一部分是: 最后, 最终收尾和微妙的20%的工作将达到80%的最终效果。
解决方法很简单。 你不应该用大笔刷来完成你的绘制 (除非是快速绘画）。 大笔刷是为开始准备的, 是给那20%的时间的。 使用它们来定大块状, 定义光线, 并添加大块的颜色。 然后逐渐将笔刷变小, 放大, 清理, 添加细节。 当你在一个非常大的特写镜头中使用一只非常小的笔刷时, 就代表你快完成工作了。 一般来说, 你的绘制图片使用画笔调整的地方越多 (你改变的越多, 比如在亮度或色调上加一点细微的差别), 它看起来就越精致。
这个规则有好的一面。 由于80%的工作对最终效果没有太大的贡献, 所以没有必要过分关注它。 迅速开始你的绘制，轻松的, 将所有的精力放置在后面。 记住: 因为你开始了一幅画，但不是每幅都必须完成。 扔掉你不喜欢的东西, 你就能节省你四倍于你已经浪费的时间了!
5.使用太多颜色
传统艺术家没有太多的颜色可供使用。 他们必须学会如何创造它们, 如何混合它们才能得到想要的效果。 这种不方便其实是一种福气。 他们别无选择, 只能学习色彩理论。 你, 作为一个数字绘画的初学者, 你拥有所有的颜色可能性。 这是个诅咒!
我们理解颜色并不直观。 这些在我们的日常生活中是不必要。 但是作为一个艺术家，你需要完全的改变你的思考角度。 你不可以只凭直观感觉来做事情，因为这样工作状态特别不利。 你需要停止思考颜色, 因为你知道他们, 并掌握
和
的概念。
颜色本身不存在。 它们是互相作用的。 例如，如果你想让颜色变亮，你可以增加它的明度或者减暗背景。 红色被称为暖色，取决于它旁边颜色的冷暖度。 甚至饱和度也会根据这些关系而变化！
一个初学者不知道所有这些都用一整套随机颜色填充他们的草图。 他们选择一个蓝色，然后添加一个绿色，没有任何线索，他们从数以千计的其他颜色中选择蓝色和绿色的色调，认为他们都有一些力量！
这是初学者是如何看待颜色的：
- 蓝色
- 泥泞的蓝色
- 灰色
- 黑色
但是, 为什么我们有这么多的色调, 但如果它们是无用的？ 答案是, 他们不是。 你只需要了解它们来自哪里，和它们为什么存在。 让我们来看看专业人士的拾色器:
- 不饱和的蓝色
- 饱和的蓝色
- 亮蓝色
- 深蓝色
看起来很复杂？ 也许是比较复杂，但是这不是你忽视它的理由。 如果这个你觉得开始比较头痛，那就坚持使用灰色调一段时间。 了解光线、阴影和混合的问题, 你将得到一个坚实的基础。 再次, 颜色 (或更确切地说: 色调) 是一个为你作品锦上添花的过程。 它们可以使你的作品更加精细, 但它们不能成为它的基础。 没有糖霜使一个本来不好的蛋糕变好！
如果你决定开始腻的颜色课程, 请尝试以下文章:
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通过学习看光影来改善你的作品：
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颜色基础: 阴影
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颜色基础: 高级着色
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写实绘画的秘诀: 如何把握数值Value
6. 直接从参照图片中选取颜色
你很难抗拒这种诱惑，你不使用这个方法会让你哭。 我也承认这点。 不过, 如果你想真正的学习数字绘画, 你不能使用吸管工具从参考图片选取颜色。 为什么这么重要？
初学者通常使用低饱和橙色或粉红色来作为皮肤颜色。 这似乎很明显, 但效果远非自然。 如果你使用一个参考图, 这将是一个不同的故事! 几乎每个像素都有不同的阴影, 不仅是粉红色, 你可以找到红色, 黄色, 橙色, 甚至冷紫色, 绿色和蓝色。 饱和度和亮度随时都在变化, 但最终效果并不会混乱。
当你从参考图中挑选颜色时, 你自己的图片会获得新的生活。 问题是它和临摹没什么区别。 在临摹的结果中, 你会得到无法重复的线条, 并且在选取颜色时会得到的美丽阴影, 你亦也无法复制。 效果是惊人的-但你不能被归功于它。
还有另外一件事。 选择颜色阻碍你的进度。 你 “买” 的颜色集, 而不是学习如何自己来创建它们。 你有所有颜色的滑块;你挑选的每一种颜色都可以由你自己重新创建。 但是你仍然决定使用那些已经创建好的-它是快速和有效的, 但你知道什么是更快速和更有效的？ 拍照
要想最重脱离参考图， 你需要学会看颜色。 看看你身边的任何物体-它的色相、亮度、饱和度是多少？ 很难说, 不是吗？ 但是, 如果你继续使用 “吸管” 工具来选择颜色, 你永远不会了解它。 在正式跑步上阵的时候你不能还带着轮椅。
7. 在没有适当数值的情况下向灰度添加颜色
我在2011年画了这幅画。 这当然是一个不错的，暖心的场景, 我现在仍然很喜欢它。 我记得我用灰度画了它, 然后添加颜色，并使用一些混合模式 (颜色, 正片叠底, 叠加等)。 我记得有一个烦人的问题: 当你使用灰色调绘制后，如何得到一个正确的黄色？
我没有原文件了, 但下面这张是灰色调的样子。 请注意, 绿色和黄色区域都比较暗。 但是这是不对的！
当我是像你这样的初学者时，我相信光使所有的颜色均匀地变亮，阴影使它们变得更暗。 这就是为什么用灰色绘画看起来很方便。 我可以专注于阴影，后来添加颜色。 不幸的是，这个伎俩没有起作用，花了我很长时间（主要是因为我并没有真正尝试）理解这是为什么。
简单的答案是不同的颜色具有独立于光线的不同亮度。 当你忽视这点，你就会有一堆杂乱的颜色。 你以灰度直接添加到图片的颜色没有其重要的一部分。 如果你想了解更多, 我已经写了一个关于
。
8.用加深和减淡工具来绘制阴影
加深和减淡工具是初学者的最爱。 他们一致认为Photoshop是一个“绘画程序”。 你只需要选择基本颜色，然后选择要绘制的区域。 其余的是由高级算法控制，而不是由你控制，这很好，因为你不知道该怎么做。
但是，不是你想象的那么简单。 这些工具并不完全没用，但是当你是初学者的时候，最好远离他们。 它们不是“绘制阴影工具” 减淡工具不等同于“增加光线”，而加深工具也不等同于“增加阴影”。 问题是他们适合初学者关于如何调整的阴影的想法，这是很难克服的诱惑。
这些问题不会出现在工具本身，而是出在你对阴影绘制的错误理解上。 初学者经常认为物体有一些颜色，这种颜色在阴影中变得更暗，有光线的地方更亮。 但事情不是那么简单。 它可能只适用于绘制细胞底纹或卡通目的，即使这只是一个捷径。
如果它是“一种”的作品，为什么不使用它？
- 这是另一个阻挡你进步的技术。 当你使用它的时候，你可能不会注意到你错过了什么。 着色是一个复杂的问题, 你可以将其限制在 “变暗” 规则, 因为它很简单。 Photoshop是为你工作的，而不是取代你。 不要让它阻止你学习。
- 它使阴影对象平坦。 不管你添加了多少纹理, 它的工作原理就像一个笔刷-这意味着你可以用此开始一幅画, 但不可以用这种方式来完成它。
- 他们取决于颜色;他们应该依赖于环境 (直接光, 环境光), 但无论是减淡工具和加深工具都不会知道你使用什么样的背景。 他们绘制阴影都是用同样的方法！
黑白阴影
此技术的扩展是使用白色的明暗阴影。 这源于一种信念, 即每种颜色都以黑色 (在阴影中) 开始, 以白色 (在光中) 结束。 虽然它可能是真实的或曝光的照片, 它不应该是一个用于绘画的规则。
我们都在寻找简单的规则, 容易记住和便于使用的方法。 但这并不意味着我们应该寻找与现实毫无关系的简单规则, 比如: “添加白色使其更亮, 添加黑色使其变暗”。 这个只适用于只有灰度的图片！ 如果你想了解可以如何使用颜色来绘制阴影的规则, 请参阅
。
千篇一律的底纹
当你克服了上一个的问题, 你可能会陷入另一个。 假设你选择了橙色作为你的角色的基本颜色。 你决定光源是黄色的, 并且环境光设置为蓝色 (天空)。 根据这一点, 你将基色的色调转换为黄色, 在阴影设置为蓝色, 仅此而已。 它使阴影更有趣, 比如果你使用黑白, 但它仍然是一个捷径, 不一定会导致预期的结果。
为什么是捷径？ 通过为对象创建三个基本的阴影, 你可以自动将其放置在人工设置的环境中, 所有事物都以100% 可预知的方式来反射光。
在现实中, 光不断反射周围的一切, 包括你3D对象的 “丘陵和山谷” 。 因此, 阴影很少可以限制为两个或三种颜色。 蓝色的天空可以使一些阴影的对象变成蓝色, 但在其他一些地方, 他们可能看起来有绿色的感觉, 因为从草反射的光。 此外, 有些阴影实际上是明亮和饱和的, 因为光线通过障碍物进入 “阴影” (见
)。
如果你考虑到这一点, 并决定使用间接光源, 使阴影更多样, 你将绘制更多的细节-这是很好的! 在这里你不能用一个大笔刷, 因为它会混合的颜色, 然后没有达到你想要的效果。 一个小笔刷意味着你正在创造为一个类似苍蝇的小物件创建纹理!
9. 用软笔刷混合
初学者使用两种主要的方法来混合色调, 它们都是为快速效果而设计的:
- 用软笔刷混合
- 与涂抹/模糊工具混合
正如我们已经了解到的, 快速的效果往往意味着效果是我们无法控制的。 在这种情况下, 混合的笔触抹平了对象, 使其不自然的平滑。 即使你添加了一个照片纹理之后, 它不会采取 “塑料” 的效果。 再者，这个方式只适合刚刚开始的步骤。
如果你想要得到一个细节的纹理（对大多数自然物体来说都是好的），选择有笔压流动控制的硬性笔刷（硬度越大，笔刷越实在）。
这种笔刷就是你控制颜色的利器。
多谢这种属性, 你不需要混合两种颜色之间距离。 你只需从基本色开始, 然后用另一颜色轻轻叠加在它上面。 然后你可以用同一种颜色来添加另一个图层，让它更加坚实。
如果你想让颜色更加平滑，那就选择介于它们之间的一种颜色，然后在交界处轻轻绘制。
对于更深入的纹理，选择一个问题笔刷（有粗糙的边缘）。
根据80-20的规则, 不要为第一阶段的混合而烦恼。 使用一个大的笔刷，让边缘明显，创建一个夸张的阴影。
稍后, 你可以使用较小的纹理笔刷来混合边缘。 不要使用涂抹工具, 没有软性笔刷, 只是使用吸管工具和可变流量的硬性笔刷。 请记住: 混合取决于表面的纹理, 所以你不能用同样的方式来混合每一种材料!
10. 为3D的形式使用2D纹理
绘制纹理是初学者的最后手段, 理论上来讲我们完成了绘制, 着色和绘制了阴影, 但它看起来仍然像一个塑料玩具。 然而, 纹理绘制的本身可能会使它更加糟糕。
假定我们需要为这个大猫添加纹理。
在添加纹理之前, 对象必须是着色的。 棘手的部分是它并不需要是一个完整的阴影。 混合的方法取决于纹理-如果你不考虑任何纹理的混合, 你会得到一个没有纹理的混合 (平滑表面)。
你可以从网上下载纹理, 或使用 Photoshop图案之一 —在默认设置中有很多。 这是我最喜欢的图案, 倒置纱门（Screen Door）的模式。
如果将纹理的混合模式更改为叠加（overlay）, 则会看到它应用的底纹。 不过, 请注意, 有些部分已被照亮了。 如果阴影正确的话, 你可能会喜欢使用它。但它是你放弃控制权的另一个例子。 在大多数情况下, 我们并不希望纹理创建自己的着色版本。 虽然叠加模式并不是最佳的解决方案, 但它使你看到纹理下的对象。
现在, 我们进入最重要和最容易被忽视的部分。 如果对象是 3D, 2D 纹理并不能很好地覆盖它。 我们需要调整它的形状, 使它完全被覆盖。 有三主要的方法来实现这个－多做练习, 并找到你最喜欢的:
- 在变形（ Warp）模式下的自由变换工具 (控制＋T)
- 滤镜 > 液化
- 编辑 > 操控变形
叠加模式使图层中覆盖有白色纹理区域的部分变亮。 我们可以使用正片叠底 (它使白色区域变透明), 但它会使渐变色调 (灰色) 比必要暗。 还有一个完美的工具来调节纹理的透明度。
双击该图层, 使用Blend If滑块。 简而言之, 你可以用它们来调整白色和黑色的透明度。
我们需要了解什么是纹理。 这不是一个 “粗略的图案” 放置在对象的右侧。 它实际上是表面的粗糙度。 当光线照射到光滑的表面时, 它会均匀地反射。 如果表面粗糙, 即由微小的凸起和缝隙组成, 光线撞击它会产生一整组微小的阴影。 这就是我们所看到的纹理。
另一个事实可以从这一点上得出。 如果是光创造了可见的纹理, 就没有光的纹理。 什么是阴影, 如果不是缺乏光？ 因此, 我们需要减少在黑暗区域 (如果有环境光存在) 的纹理, 或删除它在所有 (没有光, 没有纹理)。 可以对其使用图层蒙版, 或在Blend If的滑块 (第二行) 中混合。 请记住, 纹理的缝隙实际上是阴影, 所以它们不应该比 “正常” 阴影区域暗。
一旦你知道选择了什么动作, 应用纹理就会变得快速和容易。 然而, 这不是结束。 每个纹理是不同的, 虽然其中一些会看起来很棒, 当直接应用, 大多数需要更多的工作。
同样, 80-20的规则适用于此处。 添加纹理很容易, 但使其工作是最耗时的。 在我的示例中, 我将阴影边缘与单个混合在一起。 像这样的事情会非常耗时, 但它们决定一切!
结论
正如我们所注意到的，大多数初学者的问题都来自于这样一种冲动，即尽可能快地完成事情。 其实这不是关乎你软件操作的熟练度，而是你深信Photoshop是一个艺术产出的软件。 这导致了对工具和技巧的持续探索,而不是努力去理解和解决问题。
你不能仅仅因为你获取了一个高级的设计软件，你就成了一个数码艺术的高手。 Photoshop归根结底是一个工具—一个比颜料和画笔更加方便的工具而已。 它不能帮你完成你意愿以外的东西。 如果你想物尽其用，那么将这个软件当成数码画布和数码颜色。 将其他的一些条条框框忘掉，例如工具，滤镜，画笔或是混合模式等。 就像你在真实的画布上绘制一样来对待这个软件。
学习颜色理论，透视，结构－一个“正常”艺术家需要学习的所有东西。 随着时间的流逝你将理解如何使用Photoshop来更快的完成你的绘制。 但是，不要试图在不了解它们的情况下，不劳而获 。 耐心是关键!
